JAGTEN di Thomas Vinterberg

Presentato al Festival di Cannes di maggio scorso è arrivato sui nostri schermi il nuovo film del regista danese Thomas Vinterberg che dopo lo splendido esordio con “Festen” non aveva più saputo trovare una giusta collocazione con i film seguenti.

Collocazione che riconquista invece di prepotenza con “Jagten” un film per niente facile da digerire come non lo fu “Festen” che rappresentò il folgorante avvento dei film scritti e girati con i principi di ‘Dogma 95’ movimento da lui fondato insieme a Lars Von Trier.

Dicevo che alla buon’ora “Jagten” arriva in Italia e ovviamente arriva con un titolo differente ovvero “Il sospetto” inventato di sana pianta. Titolo talmente banale da far pensare a un giallo e addirittura già usato per almeno altri tre famosissimi film.

Jagten che in danese significa invece ‘Caccia’. Senza articolo per rafforzarne il concetto assoluto . Vedendo il film, soprattutto il finale, capirete quanto significhi per l’autore questo titolo. Perché il sospetto non è il centro del film. Il regista non gioca e non vuole raccontare a proposito del sospetto che cresce negli abitanti del paese. Loro non hanno il sospetto che l’insegnante dell’asilo sia o meno un pedofilo. Basta la parola della direttrice per scatenare la caccia. Il fulcro del film è la caccia dei benpensanti a un concittadino a un amico che viene allontanato, picchiato, intimorito, molestato per una cosa che il regista ci dice fin dall’inizio che lui non ha commesso. E parallelamente assistiamo ad un’altra caccia, la caccia al cervo…

Il film di Vinterberg è un ‘j’accuse’ al sistema borghese, alla famiglia e ai suoi aspetti più rassicuranti. Dirò di più, il film è un attacco al mondo ‘innocente’ dei piccoli. E diventa di conseguenza una strenua difesa di chi nella famiglia non è riuscito a identificarsi come Lucas, il protagonista di “Jagten”, che ha fallito da marito tanto da vivere da solo, con un amore di cane come Fanny, e che non ha modo nemmeno di poter vedere tranquillamente il figlio Marcus frutto del proprio matrimonio sbagliato. Un elemento forte e vibrante del film è proprio il bellissimo rapporto che Lucas ricostruirà con Marcus: un rapporto vero, autentico senza gli orpelli borghesi del rapporto genitori-figli.

E poi in fondo e al di là di ogni aspetto moralistico rimane una cosa sola reale: Lucas è l’unica persona con cui i bambini riescono a giocare veramente, a divertirsi o addirittura a innamorarsene, a modo loro, come la piccola Klara. Ed è qui che si gioca l’attacco frontale che il regista Thomas Vinterberg scatena contro le istituzioni. Non vuole nemmeno vincerla la battaglia. La partita contro la cultura borghese radicata è persa in partenza.

Però una spallata ben assestata come questa può far vacillare i dogmi di questa società e delle sue ipocrisie.

Marco Castrichella (29/11/2012)

Se pensavate che i "vecchi" del Cinema si fossero arresi e avessero lasciato il campo all'umorismo nero dei Coen, dei Tarantino o dei Lynch ebbene il quasi ottantenne William Friedkin dimostra con "Killer Joe" che i conti si faranno anche con lui. Friedkin adatta al grande schermo una fiaba nera scritta per il teatro da Tracy Letts. Lo fa con i suoi colori lividi, con il suo montaggio serrato, con la sua tecnica da ripresa lucida, fredda grazie a quella mano ferma che non ha bisogno di esibizionismi e acrobazie. Un po quello che da registi come lui o come Don Siegel ha imparato e messo in atto il giovane enfant-prodige danese Nicolas Winding Refn in "Drive". Addirittura se vogliamo guardar bene William Friedkin si snellisce con il passare degli anni, invece di dilungarsi negli inseguimenti e nelle scene d'azione che erano il suo marchio di fabbrica va a girare il film fra quattro mura. Per vedere la prima e unica scena d'azione (un inseguimento da applausi) bisogna aspettare metà del film. E allora li ti aspetti che tutto diventi come the French Connection o To live and to die in LA... e invece no! Friedkin va a giocarsela con i Coen di Fargo o con il Lynch di Blue Velvet o ancora di più con il Tarantino di Pulp Fiction. Scava nei cinque personaggi del film come forse non aveva mai fatto, ce li propone nei loro lati più intimi ma anche grotteschi. E si perché di ironia ce n'è tanta nel nuovo film di Friedkin. Ma c'è anche la povertà, c'è la famiglia che non c'è e quella che invece servirebbe, c'è il conflitto edipico, c'è una Loilita che aspetta il suo principe

azzurro o forse meglio un principe azzurro che è in cerca della propria Lolita. Insomma c'è tanto tanto da vedere, da gustare e da stare male nel film di questo giovanotto di ottanta anni circa di nome William Friedkin! Buon divertimento.

Marco Castrichella 12/10/2012 

         REALITY di Matteo Garrone

Torna il regista Matteo Garrone con la dovuta distanza, quattro anni, da un film ingombrante come “Gomorra” e soprattutto con le dovute distanze. Se altri autori hanno trovato la ricetta miracolosa e proseguono con lo stesso film da anni, Matteo Garrone ha la forza (e io so per certo anche la necessità) di resettarsi ogni volta, soprattutto se il film precedente ha avuto successo e consenso.

Ma se cambiano i prodotti il risultato non cambia: Gran Premio della Giuria nel 2008 per “Gomorra” e Gran Premio della Giuria 2012 per “Reality”. Questo è il primo riconoscimento che va fatto al giovane regista romano, perché è sintomo di una preparazione e di capacità artistiche che non si studiano a tavolino. Nessuno avrebbe immaginato che a un film di denuncia sulla camorra, ispirato a un libro che ha fatto del suo scrittore un eroe, applaudito e premiato da pubblico e critica di mezzo mondo, sarebbe seguita una commedia, una favola dei giorni nostri su un pescivendolo che sogna di entrare nel mondo di un reality-show.

Ebbene Matteo Garrone questo ha fatto e allora primo inchino per la scelta del soggetto. Se poi il soggetto diventando narrazione e sceneggiatura non ha nemmeno bisogno di voli pindarici per interpretazioni filosofiche o lettura di sottotesti criptati, allora secondo inchino. Infatti la leggerezza dell’essere di “Reality” è così naturale che incanta: ci invita a seguire il viaggio nel fare e nel divenire di Luciano il pescivendolo, una normalissima persona che convinto dalla ‘simpatica’ famiglia che lo circonda di avere talento per lo spettacolo, lentamente entra in un vortice che lo renderà ossessionato dalla possibilità di partecipare a un programma televisivo di reality. Luciano non vende l’anima al diavolo, non litiga con nessuno ne tantomeno distrugge una famiglia, solo comincia a pensare di essere il prescelto o meglio “il nominato” per questa missione. Sta poi a noi spettatori leggere o meno nella parabola di Luciano l’involuzione di un intero popolo reso schiavo dal sistema-televisivo oppure viverla come un “Carosello napoletano” dei giorni nostri o meglio ancora di una “Dolce Vita”, evocata espressamente dal regista prima della proiezione al Nuovo Sacher alla quale ho personalmente assistito. Ecco se un riferimento c’è nel nuovo film di Matteo Garrone, se nel modo di rappresentare i personaggi protagonisti di “Reality” qualcuno ci viene alla mente, quello è proprio Fellini, il barocco Fellini che i personaggi li cercava prima nella propria fantasia e poi li ritrovava selezionandoli fra le comparse di Cinecittà, che come tutti sanno era ormai diventata casa-Fellini. Quegli studi dove guarda caso si svolge il Reality, dove Luciano arriva con la famiglia, con i suoi vestiti sgargianti, inguardabili, con una mimica e una dialettica che sono doti di recitazione così innate da non poter pensare ad una esclusione dalla selezione. Quegli studi che in questi giorni stanno morendo e che Matteo evoca nella loro de-formazione più vera, quella di una falsa casa piena zeppa di videocamere, ricostruita per spiarne il contenuto: abitanti sconosciuti da seguire ora per ora, passo per passo, parola per parola.

Quegli studi dove diversi anni prima Fellini faceva sbarcare, in modo molto simile a quello con cui arriva Luciano, due anziani ex-ballerini: Amelia Bonetti detta Ginger e Pippo Botticella detto Fred. Arrivavano anche loro per un barlume di visibilità, per quella gloria effimera che poteva offrire ormai solo mamma-Televisione.

Il terzo doveroso inchino a Matteo Garrone è per come gira il suo film. Memorabile la sequenza iniziale che da un ampio panorama sulla città di Napoli ci porta a scendere giù in strada a seguire, sempre dall’alto, una antica carrozza trainata da cavalli nel via-vai del traffico fino all’apertura del cancello della villa, con gli animali imbizzarriti davanti alla macchina da presa, con gli occhi del regista che iniziano a seguire prima gli sposi e quindi i partecipanti alla festa. Una grande dimostrazione di abilità tecnica ma soprattutto di percezione e di padronanza della scena (una ripresa molto simile viene riproposta nel modo inverso, non a caso, per il finale, dove dal particolare del giardino della “casa” si sale fino in cielo).

Se fate bene attenzione ai titoli di coda mentre scorrono i nominativi di cast e troupe, mescolato con tutti gli altri, potrete leggere per un attimo il nome dell’operatore di macchina da presa. Non meravigliatevi se leggerete il nome del regista, fra i pochi che ancora riprendono personalmente tutte le scene. Matteo riprende i suoi film ormai con il proprio fisico, con i suoi occhi e con il suo corpo che sembrerebbe diventato un’appendice alla cinepresa. O meglio il contrario. La macchina da presa ormai è il terzo occhio di Matteo Garrone, quello che solo i registi di talento possiedono. Il grande Dziga Vertov non si stupirebbe più di tanto… L’uomo con la macchina da presa è qui fra noi. Incredibilmente vicino a noi.

Marco Castrichella (30/09/2012)